Action Comics #719 Review

Action Comics #719

Written by David Michelinie
Art by Kieron Dwyer and Denis Rodier
Colored by Glenn Whitmore
Lettered by Bill Oakley
Edited by K.C. Carlson and Mike McAvennie

Cover art by Kieron Dwyer and Denis Rodier

Cover date: March 1996
Originally published January 11th, 1996

"Hazard's Choice"

    There is a moment in "Action Comics" #719 that gets at the very heart of why we look at the sky for heroes, and why, occasionally, we are terrified by what we see there. Superman is a character often accused of being "too powerful" to be interesting. If he can juggle planets and outrun light, where is the drama? The writer, David Michelinie, understands that the real drama doesn't lie in whether Superman can punch a monster; it lies in whether he can live with himself after the punching is over.

    The story, titled "Hazard’s Choice," begins not with a cosmic invasion, but with a domestic tragedy. Lois Lane, cleaning her apartment, collapses. She has been poisoned by a souvenir: a Joker figurine from a past encounter. It is a slow-acting, cruel toxin. As she lies dying in a hospital bed, the Man of Steel is reduced to a frantic, grieving husband. "I can crush mountains," he says, in a line that carries the weight of a Shakespearean soliloquy, "are you saying I can't save one woman?"

    This is the "Kryptonite" of the soul.

    Superman flies to Gotham, and it’s here that the issue transforms into a dark, psychological chamber piece. He needs Batman, not for his gadgets, but for his restraint. They find the Joker in Arkham Asylum, and the Clown Prince of Crime presents a Faustian bargain: The only cure is to inject the Joker himself with the toxin. His unique, chemically altered blood will create an antitoxin, but the process will kill him.

    The Joker, played here with a terrifying, nihilistic glee, isn't trying to win a fight. He is trying to win an argument. He wants to prove that beneath the "S" and the cape, Superman is just as selfish and murderous as anyone else. If Superman kills him to save Lois, the Joker dies a winner, having successfully dismantled the world’s greatest moral compass.

    The art by Kieron Dwyer and Denis Rodier is appropriately moody, ditching the bright primary colors of Metropolis for the jagged, shadow-drenched reality of Gotham. They capture the look on Superman’s face: not the stoic icon we see on lunchboxes, but a man on the verge of a nervous breakdown. When he nearly kills Batman in his desperation, we realize just how thin the line is between a savior and a tyrant.

    But Batman, the "tortured human," serves as the anchor. He understands a truth that Superman struggles to accept: that sometimes, being a hero means watching the person you love die because the alternative: becoming a murderer: is a price too high for the world to pay.

    In a sequence that is both heartbreaking and frustrating, Superman makes his choice. He lets Lois die.

    Of course, this being a comic book, she doesn't stay dead. In a twist that some might call a "cheat" but I find deliciously cruel, she revives. The "joke" was that the poison was never meant to kill her; it was a "suicidal prank" designed to trick Superman into killing the Joker for no reason at all. The Joker was willing to die just to play a gag on the Man of Tomorrow. That is a level of evil that defies a simple "kapow."

    The most haunting part of the book, however, isn't the Joker’s laugh. It’s the final page. Superman tells the recovered Lois that he had to let her die, that she "would have wanted it that way." She says she understands. But in the final panel, as they hug, we see her thought bubble: "I think."

    It’s a chilling ending. She realizes that her future husband, the man who is supposed to love her above all else, placed his moral code above her life. He chose an ideal over a person. Michelinie leaves us with a wedge driven into the heart of the world’s most famous romance. It’s a thoughtful, somber, and deeply human piece of storytelling that reminds us that the hardest thing about being Superman isn’t the flying: it’s the landing.

    What makes David Michelinie’s script for Action Comics #719, published January 11, 1996, so enduring is its refusal to let Superman off the hook. While many Superman stories rely on a physical threat that can be punched into submission, Michelinie presents a psychological trap where the Man of Steel’s greatest strength: his absolute morality: becomes his greatest vulnerability. The "Hazard’s Choice" storyline succeeds because it strips away the "Super" and focuses on the "Man." By placing Lois Lane’s life in the balance against a horrific moral cost, the narrative forces Superman to confront the reality that he cannot save everyone without losing himself. The art by Kieron Dwyer and Denis Rodier perfectly complements this somber tone, capturing the raw, uncharacteristic desperation in Clark’s eyes as he faces a villain who doesn't fear death, but welcomes it as a punchline.

    The story’s brilliance is punctuated by its haunting conclusion and the interpersonal dynamics between DC’s "World's Finest" duo. Batman is portrayed not as a rival, but as a necessary, cold voice of reason, representing the human capacity to endure loss for the sake of a higher principle. The true "hook" of the issue is the ambiguity of the ending; Superman chooses the "Right Thing" over his wife, and while Lois survives through a cruel twist of fate, the emotional fallout is palpable. Her final thought: "I think": serves as a chilling reminder that Superman’s choice has consequences that no superpower can fix. It turns a standard superhero one-shot into a deep exploration of the "Superman standard of conduct" and the isolation that comes with being an avatar of truth and justice.

    It is impossible to read Action Comics #719 today without seeing it as the spiritual predecessor to the entire Injustice franchise. Seventeen years before NetherRealm Studios and director Ed Boon released the hit videogame Injustice: Gods Among Us, from April 2013, Michelinie laid the groundwork for the exact scenario that would eventually dismantle the DC Universe. The comic's premise: the Joker using Lois Lane as a pawn to force Superman into a murderous choice: is the precise "one bad day" that writer Tom Taylor used to kick off the legendary Injustice comic book prequel (2013).

    While the 2021 animated film, produced by Rick Morales and Jim Krieg) shows the horrifying outcome of Superman actually killing the Joker, Action Comics #719 acts as the "road not taken." It proves that the Joker’s plan to "break" Superman wasn't a modern invention for the gaming era, but a foundational psychological threat explored decades earlier. This 1996 issue effectively "predicted" the narrative engine of one of DC’s most popular Elseworlds, proving that the Joker has always known that the fastest way to destroy a god is to make him choose between his love and his legend.

    On a deeply personal level, "Action Comics" #719 holds a resonance for me that transcends the ink and paper. More than thirty years ago, I sat down and wrote a short letter to DC Comics about issue #715. I was enamored with the Gil Kane art and David Michelinie’s storytelling during that Parasite arc, but I’ll admit now, with a bit of a sheepish grin, that I also used that letter to complain. I felt that in issue #714, the Joker had been an ineffective, almost toothless villain against the god-like power of Superman. I didn't think the Clown Prince belonged in Metropolis.

    When issue #719 finally landed in my hands, it delivered a trio of surprises that felt like a bolt of blue lightning. First, Michelinie quite effectively "shut my mouth" by crafting a plot so psychological and cunning that it proved exactly how the Joker could get beneath the Man of Steel’s skin. Secondly, I saw my own words staring back at me; editors K.C. Carlson and Michael McAvennie had actually published my letter! But the crowning moment: the one that makes this specific issue a permanent fixture in my heart—was seeing that I had been granted the Baldy Award. In the mid-90s, that was more than just a nod in a letters column; it was a badge of honor for a dedicated fan, a sign that you were part of the tapestry of Superman’s world.

    This memory is now tinged with a poignant sense of loss as I look back on the life of K.C. Carlson, who passed away almost a year ago, on February 8th 2025, at the early age of 68. For those of us who lived through that era, K.C. wasn't just an editor; he was the steady hand guiding the Man of Steel through a period of immense transformation. Serving as the Superman editor from August 1995 to September 1996 was a labor of love, not just a job. He steered us through the emotional fallout of the "Death of Clark Kent" and the sprawling, cosmic stakes of the "Trial of Superman." I will always hold a special place in my heart for K.C., as he was the man at the helm when I received that first Baldy Award. He played a pivotal role in shaping iconic milestones like Zero Hour: Crisis in Time!, but more importantly, he ensured that throughout the chaos of continuity shifts and multiversal threats, Superman’s legacy remained anchored in heart, heroism, and hope. K.C. understood that the editor’s real task wasn't just keeping the books on schedule, it was protecting the soul of a legend.

by Fabio Marques, January 11th, 2026

O legado do "Snyderverse"

O legado do "Snydervese" 

O universo de filmes de Zack Snyder, frequentemente chamado de “Snyderverse”, ocupa um lugar único e complexo na história do cinema de super-heróis. Mais do que uma simples sequência de filmes, ele representa uma visão autoral, artística e ousada dentro de um gênero frequentemente dominado por fórmulas prontas e interesses comerciais. Snyder trouxe um estilo visual e temático distinto ao Universo DC, retratando seus heróis não como aventureiros simplificados, mas como figuras mitológicas lidando com identidade, trauma e dilemas filosóficos.

A base do “Snyderverse” começou com O Homem de Aço (Man of Steel, 2013), uma reinicialização do Super-Homem que redefiniu o personagem para a era moderna. Este filme marcou uma colaboração crucial entre Zack Snyder e Christopher Nolan, que atuou como produtor e coautor da história ao lado de David S. Goyer, o roteirista, diretor e produtor norte-americano conhecido por seu trabalho em adaptações de quadrinhos e ficção científica de tom sombrio e sofisticado. Um dos seus primeiros grandes sucessos foi Dark City (1998), que coescreveu com Alex Proyas, um filme cult de ficção científica noir que influenciou profundamente obras posteriores como The Matrix.

Goyer também foi o principal roteirista da trilogia Blade (1998–2004), estrelada por Wesley Snipes, que teve papel essencial na legitimação dos filmes de super-heróis voltados para um público adulto antes mesmo do surgimento do Universo Cinematográfico Marvel. Essas obras demonstram a habilidade de Goyer em criar mundos densos, sombrios e estilizados, combinando ação e filosofia com tramas envolventes, características que ele levaria também para os filmes do Batman dirigidos por Christopher Nolan.

Vindo do sucesso de crítica e público da trilogia O Cavaleiro das Trevas, Nolan trouxe não apenas sua sensibilidade criativa, mas também sua credibilidade na indústria para o projeto. Sua influência ajudou a ancorar o Super-Homem em um mundo mais realista e emocionalmente ressonante, conferindo um nível de prestígio e rigor narrativo que elevou o filme para além de uma típica história de origem. Snyder, por sua vez, pegou os alicerces temáticos de Nolan e os traduziu em uma visão cinematográfica marcada pela reverência, pelo isolamento e pela complexidade moral.

Com a expansão do universo em Batman vs Superman: A Origem da Justiça (Batman v Superman: Dawn of Justice, 2016), as ambições narrativas se tornaram ainda mais audaciosas. Com roteiro escrito por Chris Terrio, roteirista vencedor do Oscar por Argo. A participação de Terrio trouxe uma abordagem mais estruturada e literária ao roteiro, recheando o filme de simbolismo, subtextos políticos e conflitos morais. Batman vs Superman explorou as consequências do poder sem controle, os perigos do medo e o peso do legado, posicionando seu confronto central como um embate de ideologias, e não somente uma luta física. Nolan permaneceu creditado como produtor executivo, com participação criativa mínima, dando espaço para Snyder e Terrio conduzirem a narrativa.

Apesar de dividirem a crítica, esses filmes conquistaram um público massivo. O Homem de Aço arrecadou mais de 660 milhões de dólares no mundo todo, enquanto Batman vs Superman ultrapassou os 870 milhões.

Em 2017, enquanto Zack Snyder enfrentava a devastadora perda de sua filha Autumn por suicídio, os executivos da Warner Bros., incluindo Walter Hamada e Geoff Johns, aproveitaram-se da tragédia para afastá-lo de Liga da Justiça. Embora o motivo oficial fosse seu luto, diversas fontes indicam que a decisão já estava tomada nos bastidores devido à recepção dividida de Batman vs Superman. Em vez de oferecer apoio, os produtores agiram com frieza e cálculo, usando o momento de vulnerabilidade extrema de Snyder como pretexto para substituí-lo e remodelar o filme de acordo com interesses comerciais. Joss Whedon foi então trazido para refilmar e alterar profundamente a obra, ignorando a visão autoral de Snyder. A forma como Hamada, Johns e outros lidaram com a situação foi amplamente criticada como um exemplo flagrante de oportunismo e desumanidade por parte da indústria, trocando integridade artística e empatia por controle corporativo e lucro fácil.

O filme Liga da Justiça, finalizado por Joss Whedon após a saída forçada de Zack Snyder, é amplamente considerado um fracasso artístico e narrativo. O resultado final é uma obra desconexa, marcada por um tom instável que tenta mesclar comédia leve com uma trama originalmente densa e épica, resultando em uma experiência superficial e sem coesão. As refilmagens apressadas, o uso excessivo de efeitos visuais inacabados e a presença de diálogos forçados e piadas deslocadas contribuíram para enfraquecer os personagens e banalizar seus conflitos. A mutilação da visão original de Snyder em favor de um produto mais “acessível” acabou esvaziando o impacto dramático da história e alienando tanto o público quanto os fãs. A tentativa de imitar o estilo colorido e infantil da Marvel, sem compreender sua essência revelou-se desastrosa, deixando Liga da Justiça de Whedon como um símbolo da interferência corporativa mal calculada e da mediocridade imposta por comitês executivos.

Dessa forma, a culminação da trilogia de Snyder só veria com Liga da Justiça de Zack Snyder (Zack Snyder’s Justice League, 2021), um épico de quatro horas que restaurou sua visão original após sua saída conturbada da versão lançada nos cinemas em 2017, quando o roteiro de Chris Terrio retornou e desenvolvendo completamente arcos emocionais mais coerentes, especialmente para personagens como o Ciborgue e Flash, que haviam sido apagados da versão de cinema.

O caminho até esse lançamento é uma história à parte. Quando Snyder se afastou da produção e a Warner Bros. lançou a versão grotesca de Whedon, surgiu um movimento popular massivo em resposta, o #ReleaseTheSnyderCut. Impulsionado por fãs apaixonados, celebridades e pelo próprio Snyder, o movimento conseguiu convencer a Warner Bros. a financiar e lançar a versão original na HBO Max. Após assistirem à versão de Whedon, Nolan e a produtora Deborah Snyder aconselharam Zack a não a ver, considerando a experiência emocionalmente devastadora. Embora Nolan já não estivesse envolvido diretamente, ele apoiou Snyder nos bastidores.

Liga da Justiça de Zack Snyder tornou-se um marco na história do entretenimento, não apenas por sua qualidade, mas pelo que simbolizou: o poder do engajamento dos fãs, o valor da integridade criativa e o potencial das plataformas de streaming em resgatar obras comprometidas. Apesar de não ter estreado nos cinemas, foi o título mais assistido da HBO Max em seu lançamento e foi amplamente reconhecido como superior à versão de 2017.

Mais do que seu conteúdo narrativo, o “Snyderverse” desafiou as convenções do gênero de super-heróis. Teve a ousadia de levar seus personagens a sério, às vezes até demais, e os tratou como figuras mitológicas em um mundo moralmente ambíguo. O Super-Homem foi retratado como um messias relutante; o Batman, como um vigilante envelhecido e traumatizado em busca de redenção; e Mulher-Maravilha, Aquaman e Ciborgue ganharam uma dignidade e profundidade mais próximas da fantasia épica do que da ação convencional.

Embora a Warner Bros. tenha eventualmente se afastado da rota traçada por Snyder e seguido uma abordagem mais fragmentada, sua influência permaneceu impregnada no DNA dos filmes posteriores da DC. Suas escolhas de elenco, o tom e a linguagem visual moldaram as versões de Aquaman, Flash e principalmente o sucesso Mulher-Maravilha que o público abraçou esses filmes solo. E talvez o mais importante: os filmes de Snyder provaram que o gênero de super-heróis pode aspirar à profundidade temática e à ressonância mitológica, e não apenas ao entretenimento leve e cheio de piadas.

Em paralelo, o sucesso estrondoso de crítica e público de Coringa (Joker, 2019), dirigido por Todd Phillips, não apenas surpreendeu o mercado como também desafiou a lógica dominante dos filmes de super-heróis. Ao invés de seguir a fórmula padrão das franquias, Phillips apostou numa abordagem sombria, introspectiva e autoral, explorando temas como doença mental, desigualdade social e alienação urbana. A narrativa, centrada num personagem perturbado e tragicamente humano, evocou a linguagem do cinema de autor dos anos 1970, e encontrou eco entre plateias globais. O tom sombrio, a densidade psicológica e a estética realista de Coringa remetem diretamente ao estilo visual e temático cultivado por Zack Snyder no universo DC, especialmente em Batman vs Superman, onde heróis são retratados como figuras mitológicas inseridas num mundo brutal e complexo. Ainda que os estilos sejam distintos, ambos compartilham a ambição de levar os quadrinhos para territórios adultos e provocativos. Distinto do besteirol típico da Marvel.

A influência de Martin Scorsese em Coringa é central para compreender sua profundidade estética e narrativa. Embora ele tenha se afastado formalmente da produção, Scorsese atuou como mentor de Phillips, e sua obra, em especial Taxi Driver (1976) e O Rei da Comédia (1982), moldou diretamente a construção do protagonista vivido por Joaquin Phoenix. Além disso, a presença de sua funcionária e produtora Emma Tillinger Koskoff e do amigo Robert De Niro no elenco e na produção reforçam esse elo criativo, funcionando como ponte viva entre os dois cineastas. A equipe de Coringa contou com colaboradores próximos a Scorsese, o que ajudou a transpor para o universo dos quadrinhos a densidade moral e o realismo cru típicos do cineasta nova-iorquino. É importante lembrar que o próprio Scorsese tem sido um crítico feroz da Marvel, argumentando que seus filmes são “parques de diversões”, desprovidos de risco artístico ou substância dramática. Coringa, nesse contexto, funciona como uma resposta, um exemplo de que filmes de quadrinhos podem e devem carregar complexidade e provocar reflexão, quando tratados com liberdade autoral.

Esse mesmo espírito de ousadia já havia sido cultivado por Zack Snyder em sua visão do universo DC, ainda que sem o reconhecimento imediato da crítica. Como Phillips, Snyder sempre tratou o material de origem com seriedade, apostando em dilemas morais, questões filosóficas e uma estética visual carregada, quase operística. A rejeição inicial de sua abordagem por parte da Warner e o subsequente sucesso de Coringa escancararam uma contradição dentro do estúdio: enquanto um filme sombrio e autoral arrecadava mais de um bilhão de dólares e recebia o Leão de Ouro em Veneza, além dois Oscars em indicações ao prêmio máxima do cinema mundial, o mesmo tipo de visão havia sido rejeitada poucos anos antes, quando vinha de Snyder. Assim, o sucesso de crítica e público de Coringa reafirmou o valor de uma abordagem adulta aos quadrinhos e, paradoxalmente, consolidou o legado estético e temático de Zack Snyder como um precursor subestimado dessa nova fase do cinema baseado em quadrinhos.

O valor do “Snyderverse” reside não apenas em estilo cinematográfico distinto, mas no que ele representa: a convergência entre visão autoral e espetáculo blockbuster; o impacto de vozes colaborativas como as de Nolan, Terrio e Goyer; e o papel crescente das comunidades de fãs na definição do destino das obras criativas. Seja admirado por sua ambição ou criticado por seus excessos, o universo DC de Zack Snyder redefiniu o que um épico de super-heróis pode ser, e deixa um legado que continuará sendo debatido por muitos anos.

- Fabio Marques, 19 de julho de 2025